Intensifications

Située au centre-ville de Porto, la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Porto (FBAUP) est une institution de référence dans l’enseignement, la recherche, la production et le partage de la culture dans les domaines de l’Art et du Design. Avec un univers d’environ un millier d’étudiants, elle offre un large éventail de cours de Licence, Master et Doctorat dans les domaines des Arts Plastiques, du Design, des Études d’Art, du Dessin et de l’Éducation Artistique, ainsi que des cours de spécialisation et de formation tout au long de la vie. La FBAUP propose un éventail de formations dans des domaines tels que la Céramique, les Textiles Construits, le Vitrail, la Mosaïque, la Lithographie, la Pierre, le Bois, la Xylogravure, la Peinture, la Sculpture, entre autres domaines liés au territoire des Arts & Crafts. La recherche se développe dans deux centres de recherche : l’Institut de Recherche en Art, Design et Société (i2ADS) et l’Institut de Recherche en Design, Média et Culture (ID+).

La semaine d’activités Arts & Crafts, coordonnée par la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Porto, s’est déroulée du 31 janvier au 4 février 2022 entre Porto et Aveiro. Elle s’est concentrée sur l’artisanat régional portugais, avec un accent particulier sur la céramique et le verre. Elle a inclus un atelier de céramique où les participants ont peint des azulejos traditionnels et ont appris sur le patrimoine des azulejos portugais. Le programme comprenait des visites à l’usine Vista Alegre, à la XVe Biennale Internationale de Céramique Artistique d’Aveiro, au Musée du Vitrail de Porto et à la collection de l’atelier Antunes, actif entre 1906 et 2022. Sous la direction de Teresa Almeida, la production de vitraux a été démontrée.

Des archives architecturales de la Mairie de Porto, qui préservent des matériaux pour la restauration de bâtiments historiques, ont été visitées. Réalisée pendant le confinement partiel de la Covid-19, la semaine a compté avec la présence de partenaires européens et, à distance, de partenaires du Québec et de Tétouan. La semaine était destinée aux enseignants et techniciens, promouvant la discussion, l’apprentissage et l’échange de connaissances, en reliant le passé à la contemporanéité.

Un séminaire sur l’artisanat régional de Porto a eu lieu, avec des communications sur les projets « Wisdom Transfer » et la Biennale Contextile. Des expositions à la FBAUP dédiées à la gravure et à la peinture ont également été visitées.

L’école des arts visuels et médiatiques de l’UQAM fait partie intégrante de la Faculté des arts qui regroupe aussi les études en danse, design, histoire de l’art, littérature, musique et théâtre. La Faculté des arts, reconnue comme l’une des plus importantes au Canada, est située au cœur du Quartier latin de Montréal, ville qui figure parmi les meilleures villes universitaires au monde selon le classement QS Best Student Cities. La Faculté joue un rôle de premier plan dans la vie intellectuelle et culturelle de Montréal, tout en participant au rayonnement international de celle-ci.

L’École a pour mandat de renouveler et de transmettre, au sein de la société québécoise, la vitalité des savoirs émergents de la pratique de l’art et de la pensée sur l’art. Ce mandat s’incarne à tous les cycles universitaires, depuis les programmes de certificat, de baccalauréat et de maîtrise en arts visuels et médiatiques, jusqu’au programme de doctorat en Études et pratiques des arts. Le programme de doctorat (créé en 1997) a été le premier programme de doctorat au Canada. Conjuguant les savoirs et les savoir-faire, ces programmes prennent la forme d’activités de création, de recherche et d’enseignement dans des champs de pratique aussi diversifiés que les arts d’impression, l’art performance, l’art sonore, l’art vidéo, l’art dans la communauté, le dessin, l’image de synthèse, l’interactivité, la peinture, la photographie, la robotique, la sculpture, ainsi que la didactique et la psychopédagogie. Reflet des mutations du milieu de l’art, les étudiant.e.s sont invités à orienter ces pratiques suivant les problématiques matérielles, plastiques, technologiques, sociopolitiques ou identitaires qui les guident, puis à les inscrire dans divers milieux par des expositions, des stages professionnels ou d’autres formes d’intervention publique. Notre but est de permettre aux étudiant.e.s de développer une pratique autonome et une réflexion critique sur leurs réalisations. Ainsi, l’École des arts visuels et médiatiques accueille annuellement des étudiants.es dans son programme de certificat et de baccalauréat (équivalent du Lycée en Europe et du High School Diploma aux États-Unis), son programme de maîtrise en création et en éducation (Master).

L’esprit collégial et les compétences variées et complémentaires du corps professoral de l’École (artistes de différentes disciplines et approches, pédagogues, didacticien·nes, historiens·es de l’art), des chargé·es de cours et du personnel de soutien technique et de bureau contribuent au dynamisme qui caractérise l’École des arts visuels et médiatiques. Sur le plan technique, l’École dispose d’une impressionnante infrastructure et de nombreux ateliers spécialisés permettant le travail du métal, du bois, de la céramique, de la robotique, du montage vidéo et audio, des techniques d’impression de l’image et de l’objet 3D, du moulage et du façonnage : cette ressource exceptionnelle est reconnue dans tout le Canada. À des fins d’exposition et d’expérimentation, l’École met également à la disposition des étudiantes et étudiants de la maîtrise un espace de galerie interdisciplinaire, le CDEx, qui a pignon sur rue en plein centre-ville de Montréal.

Enfin, mentionnons la création de la Chaire de recherche canadienne UQAM pour le développement de pratiques innovantes en art, culture et mieux-être, dirigée par Mona Trudel, chercheure et pédagogue à L’ÉAVM. Et MÉDIANE. Chaire de recherche du Canada en arts, écotechnologies de pratique et changements climatiques, dirigée par Gisèle Trudel, artiste et professeur à l’ÉAVM.

En conclusion, une école où la recherche-création et la pédagogie témoignent d’une vision actuelle et novatrice de l’art.

La conjoncture nord-américaine marquée par l’intérêt artistique grandissant pour les pratiques artisanales ou, ce que l’on nomme au Québec, les métiers d’art (le Conseil québécois des métiers d’art du Québec, CMAQ, existe depuis 30 ans), nous permet d’envisager notre apport sous deux angles. Celui de la « Matérialité des engagements » qui se développent dans les milieux des artisans professionnels, des artistes contemporains et des enseignants des arts.  Celui d’une volonté de « Donner corps à la recherche en art », par une rencontre entre recherche et création dans une approche transversale et une ouverture au grand public. Ainsi envisageons-nous cette École d’été Arts and Crafts / Aujourd’hui comme une semaine d’activités exploratoires collectives entre savoir-faire et savoir-être, en dehors de toute hiérarchie et de tout espace normatif.

Ce retour à la matérialité visant l’engagement dans l’apprentissage, par la matière, par le geste et par des cohabitations multiples, nous situe dans une démarche éthique et une responsabilité endossée quant aux questions sociales et politiques actuelles. Ces expérimentations se veulent dans un esprit « d’écologie des pratiques engageantes » afin de proposer des avenues nouvelles et innovatrices dans nos enseignements et de montrer comment la pratique de l’art peut servir de lien entre le geste de création et l’engagement dans l’action.

Trois événements publics ont marqué la semaine :

The Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava is a distinguished institution that prides itself on a rich pedagogical tradition and a contemporary approach to arts education. Here’s a brief overview emphasizing its educational offerings:

Established: Founded in 1949, AFAD is one of the oldest and largest artistic educational institutions in Slovakia.

Departments: The Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava is organized into several departments, each specializing in different areas of art and design. Here’s an overview of its departments: 

Despite being organized into distinct departments, the Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava places a strong emphasis on an intermedia and interdisciplinary approach to education. This philosophy is rooted in the belief that artistic creativity and innovation often arise from the intersection of various disciplines. By encouraging students to engage with multiple forms of media and to collaborate across different areas of study, AFAD fosters a rich educational environment where boundaries are blurred and new possibilities are explored. This approach not only equips students with a broad skill set but also prepares them to think and work flexibly in the ever-evolving landscape of the arts. AFAD’s commitment to interdisciplinarity is a testament to its dedication to preparing students for a future where adaptability and innovation are key to success in the arts. The Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava is housed in three main buildings, each fostering different aspects of the institution’s vibrant artistic community: 

The Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava proudly participated in the international collaborative project “Arts and Crafts Today”, which involved six prestigious art schools from Europe and overseas. This event marked a significant moment of pedagogical intensification, where traditional methods were not only applied but actively interrogated, leading to the emergence of new ideas and the exploration of innovative paths in art and design. 

Participating Institutions: France (École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne), Belgium (Royal Academy of Fine Arts in Brussels), Portugal (The Faculty of Fine Arts University of Porto), Canada (Université du Québec à Montréal), Morocco (Institute National Des Beaux Arts, Tetouane) Slovakia (hosted by Academy of Fine Arts and Design, Bratislava). 

Bratislava and RONA Glass Factory Lednicke Rovne.
The Academy of Fine Arts and Design in Bratislava (AFAD) has  made a significant contribution to the International Arts and Crafts Today project, a global initiative aimed at fostering artistic collaboration and exchange. During an intense week of activities organized in Slovakia, partner schools were invited to participate in a series of workshops and discussions designed to enhance their understanding and practice of contemporary arts and crafts.

The week was strategically divided into two segments to cater to the diverse interests and focuses of the participants. A smaller, theory-focused group remained in Bratislava, engaging in in-depth discussions and theoretical explorations of modern art forms. This group delved into the rich history of AFAD, which has been a pivotal institution in Slovakia’s artistic education since its establishment in 19491. The discussions were aimed at unearthing the interconnections between traditional and contemporary art practices, as well as examining the role of art in today’s society.

In contrast, the larger artistic group embarked on a journey to the renowned Rona glass factory workshops. Here, participants had the unique opportunity to witness firsthand the exquisite craftsmanship that goes into glassmaking. The workshops at Rona are celebrated for their blend of traditional techniques and modern design, offering a hands-on experience in various decorative methods such as cutting, engraving, and painting. This practical immersion allowed the artists to gain valuable insights into the intricate processes of glass art, a field in which Slovakia has a storied and prestigious history.

The division of the groups allowed for a tailored approach that maximized the learning outcomes for all participants. Those with a theoretical inclination were provided with a platform to critically assess and discuss artistic concepts, while the hands-on group gained practical experience, enhancing their artistic skills and understanding of glass artistry.

AFAD Bratislava’s involvement in the International Arts and Crafts Today project not only highlights the institution’s commitment to international cooperation but also its dedication to the advancement of art education.

The week-long endeavor culminated in an exhibition, showcasing the designs and artifacts meticulously crafted by the participating artists in collaboration with the skilled blowers at the Rona glass factory. This event served as the junction where both the practitioners and theorists converged, celebrating the fruits of their labor. The exhibition was held at the Rona Gallery in Lednické Rovne, marking a fitting finale to a week of intense creativity and intellectual exchange. It was here that the tangible outcomes of the artistic collaborations were displayed, allowing the public to witness the fusion of traditional craftsmanship with contemporary artistic expression. The display not only highlighted the individual talents but also the collective synergy that can arise when diverse minds and skills unite with a common purpose. 

Why Arts and Crafts today? Before the industrial era, craft was a natural part of production, but today the practice of “craft” takes on a different meaning. We believe that it is precisely because of the contrasting relationship - craft versus industry - that the legacy of the Arts and Crafts movement is still relevant and interesting. It leads us to reflect on our own (and collective) experiences with craft, tradition, technology, form and material. In time of disposable objects, when people easily throw things away, and in time of instant digital images, there is a natural need for tangible and real things. These are the reasons why the Academy of Fine Arts and Design in Bratislava decided to situate the international meeting of artists within the Arts and Crafts Today project in the centre of the glass industry in Slovakia, where the RONA glass factory is located.

Workshops focused on the innovative application of glass patterning techniques and jewelewry sand casting. The workshops were conducted in collaboration with skilled glass blowers at the renowned Rona glassworks, allowed participants to engage in a hands-on learning experience.

Pedagogical Context: The workshop served as a dynamic educational platform, challenging participants to question conventional artistic processes and explore the boundaries of their creativity. It was a time for reflection, experimentation, and discovery, where the flames of the glass furnaces and the heat of molten metal became metaphors for the fervor of learning and the forging of new artistic visions. 

The workshop methodology was meticulously crafted to foster a deep engagement with materiality and craftsmanship. Participants were informed of the workshop topics well in advance, a crucial step that allowed for thoughtful preparation and collaboration with the Rona glass factory. Here’s an overview of the workshop themes and their pedagogical significance: 

Each theme was a pedagogical journey, guiding participants through a process of experimentation, communication, and the revival of tradition, culminating in a rich intermedial and interdisciplinary experience. The participants’ responses to the diverse themes presented during the workshop were overwhelmingly positive and reflective of the flexible pedagogical environment fostered by the Academy of Fine Arts and Design (AFAD) in Bratislava. Here’s a synthesis of their reactions: 

As a culmination of the pedagogically intensive week, an exhibition presenting innovative works created during the workshop “Art and Craft Today” was held in Lednicke Rovne (RONA glassworks). The exhibition was realized directly in the RONA Gallery. This exhibition was thoughtfully prepared by students of the AFAD Department of Spatial Design, who considered the presentation of craft to be a crucial aspect of the artistic process. 

Significance of Exhibition:

L’Académie royale des Beaux-Arts - École supérieure des Arts, est aujourd’hui à la jonction d’une histoire riche (elle a eu 300 ans en 2011). Elle hérite d’une tradition qui a vu se stratifier des pratiques artistiques très diversifiées, des modes d’enseignements qui se sont inventés et le présent la positionne dans le complexe panorama international des enseignements supérieurs, dans une dimension tout autant pédagogique, artistique que professionnelle.

L’ArBA-EsA assume des missions qui peuvent paraître étendues mais qui en font sa force et son originalité. Elle est un lieu d’enseignement, de recherche et un grand atelier de création et de production où se forgent des générations de créateur·ice·s. Elle entend jeter un pont vers les milieux professionnels de référence et un équipement artistique majeur déployant des activités dans la cité à destination de nombreux publics. Enseignement et recherche de haut niveau, rayonnement local et international, maillages professionnels, ouverture au monde : l’éventail est large et ouvert, et doit en permanence ménager, d’un côté, le temps du travail artistique, lent, fragile, confronté à l’inconnu parce que sans modèle préétabli et, de l’autre, la nécessaire perméabilité au monde contemporain, aux forces culturelles, professionnelles et symboliques qui traversent l’école de part en part. L’école a pour mission d’organiser la formation de futurs artistes, de professionnel·le·s des multiples métiers de l’art et de l’éducation, d’individus autonomes et responsables prêts à s’engager de manière informée et critique dans les mondes de l’art. Elle propose un programme d’enseignement en arts plastiques, visuels et de l’espace au plus haut niveau. La visée principale de ce programme est le développement singulier des pratiques artistiques et professionnelles, et leur positionnement réflexif et critique dans le domaine des arts.

L’étudiant·e, au fur et à mesure de son parcours, de son enseignement, de ses recherches, de ses expériences et expérimentations sera guidé·e en vue de développer un travail artistique, des projets de recherche et une autonomie de position. L’atelier est le point d’ancrage de l’articulation pédagogique. Il est le lieu où se construit la singularité des propositions artistiques, le lieu de stimulation, de tâtonnements et d’élaboration de la dimension collective qui force la réflexivité des pratiques et des positions par un aller et retour permanent entre pratique et théorie. L’atelier est le point structurant du cursus et ne se limite donc pas à un champ technique ou disciplinaire, au contraire, il offre un potentiel d’expérimentations et d’interactions. Chaque cursus est bel et bien ouvert vers d’autres disciplines artistiques permettant d’engager d’autres moyens plastiques, de développer de nouveaux champs de recherche ou de préciser formellement le travail artistique. Le pôle histoire-théorie-critique a une place essentielle dans le curriculum des étudiant·e·s, il apporte le bagage de références théoriques indispensable permettant de préciser et de nourrir un travail artistique ouvert, construit, critique et engagé.

L’événement Arts & Crafts, aujourd’hui, qui s’est déroulé du 18 au 23 mars 2024 à Bruxelles, revêt une dimension bien plus large qu’une simple rencontre académique. Il incarne une démarche holistique et ambitieuse, façonnée par notre engagement envers les questions de transmission au sein des Écoles supérieures des Arts, la collaboration internationale, et l’importance de rencontrer les transformations de notre époque à travers le prisme spécifique des questions des savoir-faire, de l’artisanat et des techniques. Depuis ses prémices, le projet Arts & Crafts, aujourd’hui s’est fixé pour objectif de devenir une plateforme d’échanges et de partage entre différentes écoles d’art.

L’ArBA-EsA a élaboré avec soin un programme à géométrie variable, mettant au cœur du projet la participation étudiante afin d’explorer de nouvelles voies.

Au programme : ateliers, tables de discussion, expositions, projets artistiques collectifs, conférences, animations radio, projections de films et moments conviviaux. Cette semaine s’est adressée à nos hôtes et à l’ensemble de la communauté de l’Académie, offrant ainsi l’occasion d’expérimenter l’école dans un nouveau cadre de transmission, de la décloisonner et de rencontrer la diversité des pratiques et des propositions.

Le programme de la semaine s’est décliné sous quatre volets :

Dans un interview donné en novembre 1976 aux Cahiers du cinéma et repris ensuite dans Pourparlers, Gilles Deleuze est invité à parler de Godard. Deleuze parle alors de la conjonction « ET » :

C’est le travail de cette conjonction ET qui est au centre du séminaire de master, art ET architecture, proposé à l’ArBA – EsA depuis 2021 par Alice Finichiu, architecte et docteure en architecture et philosophie. Plutôt que de proposer une énième fois de réfléchir « sur », « à partir de », l’art ou l’architecture, plutôt que de chercher des « influences », des « croisements », ou des « emprunts » « entre » art et architecture, la proposition pédagogique est d’incarner la conjonction : une pédagogie indisciplinée plus qu’interdisciplinaire. Faire basculer l’être, le verbe, et s’intéresser aux relations.

Nous rendons notre monde habitable à travers la pratique de nos gestes, nos outils, nos images, nos objets et nos récits qui constituent nos espaces. Ceux-ci se définissent ainsi en tant qu’agencements modélisant profondément nos corps, nos paysages, nos comportements, nos relations. En définissant nos espaces en tant qu’écologies de relations, ce séminaire questionne la matérialité des artefacts, des récits et des pratiques qui désignent nos réalités dans le contexte socio-économique post-industriel et la crise environnementale actuelle. Or, concevoir son enseignement comme une formation à un « art de l’enquête » met fortement en question la relation pédagogique classique construite autour de la distinction sachant / non sachant. Il ne s’agit plus d’une transmission au sens d’un transfert de l’information, mais d’un accompagnement dans la découverte. 

Art ET architecture se décline dans une dizaine de séances de 4h se déroulant sur un semestre. Chaque cycle du séminaire propose un sujet précis – un 3e terme à poser en conjonction avec art ET architecture : la ruine en 2020, le béton en 2021, le craft – le savoir-faire – en 2022 et 2023. Le séminaire repose fortement sur la participation active des étudiant·e·s. Il s’articule autour d’une enquête en deux temps : un temps commun et un temps individuel. Les séances de séminaire n’ont pas lieu seulement dans une salle autour d’une table, mais elles sont articulées autour de présentations, lectures, arpentages et fabrications. Une frise chronologique est le prétexte et le support qui permet de faire tenir ensemble cette multiplicité. Cette frise chronologique est aussi le support de collecte et de spatialisation des observations de relations existantes, déduites ou possibles contenues dans la conjonction art ET architecture du sujet proposé.

La frise chronologique est structurée autour de 5 vecteurs, dont 4 sont préétablis :

Dans le domaine du textile, la question de la couleur est centrale et peut difficilement être contournée. Si elle implique méthodes, outils et savoir-faire spécifiques, ceux-ci peuvent également s’articuler et s’adapter à des champs et des processus artistiques différents : il s’agira donc de bifurquer du textile à l’espace par le prisme de la couleur.

Avec l’équipe SITU - Master Design Urbain, il nous a semblé particulièrement pertinent de partager cet ensemble de techniques à des futurs praticien·ne·s de l’espace urbain. Pratiquer l’urbain demande une attention particulière à l’environnement, aux relations qui se tissent entre les corps et les territoires, ainsi qu’aux ambiances. Les outils d’analyse et d’arpentage classiques ne prennent que rarement en compte les couleurs, or nos espaces et les relations qu’on y entretient sont façonnées par leur présence. Passant souvent inaperçues, les couleurs laissent une trace sur la rétine et dans la mémoire qu’on a des lieux, il faut aiguiser son regard pour y prêter une attention plus fine. SITU a invité Cécile Barraud de Lagerie, designer textile et coloriste, à partager aux étudiant·e·s une partie de ses outils et techniques sous le projet « Arpentage et cartographie de la couleur » qui a donné lieu à une bifurcation en deux temps : 

Avec le groupe d’étudiant·e·s de M1 SITU, un travail d’un mois s’est construit autour de ce que peuvent apporter les outils, les méthodes de relevé et d’analyse couleurs au domaine du design urbain et comment se les approprier pour qu’ils participent plus précisément à la compréhension et l’analyse d’un site. Le site choisi a été la place du Jeu de Balle, lieu emblématique de Bruxelles.

Un temps de partage a permis de revenir sur ce qui a été mis en œuvre par Cécile Barraud de Lagerie pendant le workshop et de rendre compte du travail collectif, par Manon Badillo-Collart, étudiante SITU. Ensuite, le groupe formé d’étudiant·e·s et enseignant·e·s est également allé sur la place du Jeu de Balle pour expérimenter le relevé de couleurs in-situ.

Les méthodes développées sont donc principalement issues du domaine du textile et d’une pratique de coloriste industrielle mais elles font également écho aux travaux suivants :

Le cursus Espace Urbain ISAC de l’ArBA-EsA place la question des corps au cœur de son espace. Le corps est à la fois objet et sujet de réflexion. Ainsi, l’approche pédagogique menée en ISAC vise à considérer le terme « chorégraphie » dans un sens multiple et élargi, comme une expérience de mobilisation des sens et de création de visions autres du monde et de leurs compréhensions. Celle-ci amène à considérer les échelles de perception.

Afin de pouvoir articuler collectivement des « retours » - sans faire revenir l’apprenant·e·s sur ces pas - sur des travaux en cours ou des pratiques artistiques en tenant compte à la fois des subjectivités créatives de chacun·e et des modes de transmission singuliers expérimenté, opérer des « bifurcations » permet aux apprenant·e·s de continuer le développement de leur travail à partir de la manière dont celui-ci a été reçu.

En ce sens, ISAC active durant l’année des bifurcations pédagogiques comme autant de formats expérimentaux avec les étudiant·e·s dont une s’appuyant sur la Feedback Session. Ces formats ont tous un dénominateur commun, un fil rouge. Elles s’appuient sur l’idée de la rencontre : celle de l’artiste avec un regard extérieur et celles sans jugement de regards extérieurs avec des objets artistiques en cours de formation. Ces rencontres avec les travaux performatifs sont ainsi à chaque fois renouvelées.

Nous aimons penser ces formats comme des outils à partager entre les étudiant·e·s, plus que des méthodes figées dans le temps. Des formats discursives, ludiques et sérieux à la fois qui permettent aux étudiant·e·s de pratiquer différentes façons de voir un travail et d’articuler leurs pensées en se positionnant à chaque fois dans une perspective différente. Plus ils sont pratiqués, plus les étudiant·e·s ressentent le besoin de les questionner en les affinant et en les adaptant. Il en va de même pour la méthode de la Feedback session emprunté à la DasArts, département de théâtre de l’université d’Amsterdam et que nous concevons et pratiquons en ISAC en tant que Feedforward session, nourrir les travaux pour faire évoluer ou transformer les pratiques artistiques. Il s’agit d’une séance de retour collectif qui propose un protocole spécifique comme exercice à la fois de prise de parole et d’écoute.

Celle-ci a été développée à partir du constat que les configurations de groupe empêchent souvent les échanges critiques d’avoir un effet d’apprentissage stimulant car il s’agit de gérer différents points de vue sur un même travail souvent interdisciplinaire dans le contexte des arts performatifs. Des perceptions qui souhaitent être échangé durant une même session, alors que dans les échanges individuels, les personnes peuvent opter pour des conversations informelles, des interviews ou d’autres stratégies.

Ainsi l’objectif principal de ces sessions – situations est de : donner du pouvoir à l’artiste qui reçoit un retour sur son travail, aller au-delà des formules de jugements (j’aime / je n’aime pas), partager une critique fondamentale, générer un sentiment de responsabilité de la part des participant·e·s dans un souci de précision et de clarté envers l’artiste et, enfin, accroître le plaisir de donner et de recevoir un retour constructif.

La semaine s’est construite à partir de l’idée d’une bifurcation par rapport à l’organisation habituelle de l’école. En effet, l’organisation de l’école repose sur des ateliers techniques (bois, métal, céramique) de très bonne qualité et distincts, à la fois dans les espaces architecturaux et dans la pédagogie, des enseignements des professeurs, qu’ils soient théoriciens, artistes ou designers. Nous avons cherché à construire la semaine de workshop à partir des ateliers techniques et avec des projets portés à la fois par les techniciens et les enseignants.

D’autre part, la semaine de Saint-Étienne a aussi été l’occasion de développer et d’acquérir de nouvelles pratiques. Ainsi le développement du tufting durant cette semaine s’inscrit dans une volonté de donner accès sur le long terme aux étudiants à une pratique textile. L’atelier de bijoux a permis d’initier une pratique qui n’existait pas à Saint-Etienne auparavant. Enfin, avec cette semaine de workshop, la pratique de la lithographie - qui avait existé des années auparavant mais qui avait été interrompue - a été relancée.

Ces trois pratiques - textile, bijou, lithographie - ont fait l’objet d’un investissement sur un temps long.

La semaine de workshop a été véritablement un moment d’intensification afin d’inscrire ces pratiques dans la pédagogie.

Liste des ateliers :

Liste des conférences :

Une exposition des travaux fut ensuite organisée à l’occasion des Journées Européennes des Métiers d’Art.

Enfin, cette semaine, qui était la dernière du programme, a permis de prolonger et réunir les expérimentations pédagogiques qui avaient eu lieu au préalable, lors des différents séjours dans les écoles partenaires, tout au long du projet Arts & Crafts Aujourd’hui. Ces expériences pédagogiques ont conduit à concevoir la semaine selon trois axes :

À l’origine du projet Arts & Crafts, aujourd’hui se trouvait, entre autres, la volonté de faire dialoguer étroitement art et design, ainsi que l’avaient fait les acteurs historiques du mouvement anglais. S’appuyant sur l’histoire économique, culturelle et sociale de Saint-Étienne (le bassin minier, les industries lourdes, la Manufacture d’armes, Manufrance, l’essor du design depuis une vingtaine d’années…), le programme pédagogique de l’ESADSE repose sur un écosystème particulier qui fait que l’enseignement et la pratique de l’art et du design y sont étroitement mêlés et se stimulent l’un l’autre. Arts & Crafts, aujourd’hui a donc été l’occasion de mettre à l’épreuve cette proximité et cette différence entre les deux disciplines.

Très concrètement, la totalité des workshops a ainsi entrelacé des formes et/ou des techniques qui circulent à la frontière de l’art et du design, vivifiant les deux champs, à l’encontre d’une conception trop étroite qui ne verrait dans l’art que des pratiques qui négligent la production d’objets et dans le design des objets strictement utilitaires pour lesquels le coefficient d’art se limiterait à une forme enjolivée, supposée séduire le marché. Par exemple, la production de paravents ou de bijoux est généralement associée au design, mais c’est oublier qu’ils ont été explorés par nombre d’artistes. De même, bien qu’elles soient issues des arts appliqués, des techniques spécifiques comme les émaux de Longwy, la lithographie ou le tufting sont aujourd’hui utilisées par de nombreux artistes. Enfin, on constate des collaborations, des modèles de production et des types d’objets qui, sans effacer les identités et les spécificités, brouillent les frontières entre art et design.

Les workshops ont également été pensés pour redistribuer les relations d’apprentissage. Du fait du programme lui-même, les savoirs techniques et la maîtrise des outils se sont trouvés au centre. De ce fait, les techniciens et assistants d’enseignement ont été moteurs dans la conception des workshops et se sont trouvés au cœur de cinq ateliers (sur sept), en binôme avec un professeur ou en autonomie complète. L’un des ateliers a même été pensé et mené par un étudiant (Loïc Bonche, doctorant en art, en co-tutelle avec l’ESADSE et l’UQAM). Ce brassage des attributions et compétences usuellement très marquées par la nomenclature des écoles d’art (Professeur d’enseignement artistique/assistant d’enseignement/technicien/étudiant) s’est révélé doublement profitable, les professeurs (notamment pour les disciplines théoriques) ayant pu mettre « la main à la pâte » (selon les principes pédagogiques d’expérimentation et d’investigation énoncés par Georges Charpak, prix Nobel de physique et Tim Ingold, anthropologue) et les praticiens ayant pu mettre leur expertise au centre du processus pédagogique. C’est une conception cumulative des différences et non une recherche du plus petit dénominateur commun, laquelle conduirait à ignorer les différences ‒ considérées comme irréductibles et incompatibles ‒ pour ne conserver que quelques points communs supposés faire consensus. Le modèle obsolète du couple binaire sachant/apprenant a ainsi pu être dialectisé, non pas en minorant l’intérêt et la pertinence des savoirs, mais au contraire en élargissant les définitions et la portée de ceux-ci : il n’y a plus un savoir unique face à une ignorance, mais une multiplicité de compétences diverses qui circulent dans l’ensemble de la communauté éducative.

Les ateliers ont été organisés pour permettre des rencontres entre étudiants, mais aussi entre enseignants et techniciens des différentes écoles. Grâce à une inscription en amont de la semaine, les étudiants ont pu être également répartis dans les différents ateliers. Surtout, les projets d’atelier ont été présentés dès leur conception aux enseignants des autres écoles qui ont été ainsi invité à participer et à nourrir de leur propres approches ces ateliers. Par exemple, l’atelier de céramique a impliqué des enseignants de Porto et Tétouan. Construit autour de l’émaillage et des motifs avec un technique particulière qui est celle des émaux de Longwy, l’atelier s’est enrichi des approches et des pratiques de Susana Piteira (Porto) et de Amine Asselman (Tétouan). Réunis autour d’une pratique d’atelier, les encadrants ont également mis en œuvre un dialogue entre des traditions différentes - le zellige, les azulejos - qui sont venues alimenter une production commune. L’atelier est devenu un temps de croisements et de rencontres.

Le programme Arts and Crafts s’est inscrit progressivement dans le quotidien de l’ESADSE, avec une pédagogie qui a pu être nourrie par les semaines de workshops dans les écoles partenaires mais également par la préparation de notre propre semaine qui a demandé un investissement sur le long terme.

Sur le plan pédagogique, la semaine à Montréal au printemps 2023 a été très enrichissante. Le séminaire de Master que nous organisons à l’ESADSE, qui est un séminaire théorique, s’est librement inspiré de la méthode de lecture mise en œuvre à Montréal par Mario Coté. Les textes en rapport avec Arts and Crafts aujourd’hui, notamment les écrits de William Morris, ont été abordé avec les étudiants selon une approche qu’on pourrait qualifier de matérielle, avec une proposition de découpage par fragments que chacun s’approprie individuellement avant de reconstituer l’unité textuelle par une discussion commune.

À Bratislava, les enseignantes Marie-Aurore Sticker Metral et Elen Gavillet ont pu travailler à la fabrique de verre Rona en collaboration avec les enseignants des écoles partenaires et aussi avec une horizontalité, au sein de l’atelier, entre enseignants et étudiants, tous réunis pour une pratique commune, à savoir le verre. Cette expérience a nourri la préparation de la semaine à l’école mais aussi des moments de pédagogie en atelier.

L’idée prospective qui en résulte est d’avoir dans l’année des moments où enseignants, techniciens et étudiants se retrouvent autour d’un « faire », dans un moment de production où se développe cette horizontalité.

Dans la logique du programme Arts and Crafts aujourd’hui, la volonté de diversifier les pratiques proposées aux étudiants, de les introduire à différents savoir faire techniques et d’étoffer leurs compétences, a conduit à organiser en janvier un workshop sur la fonte à la cire perdue avec Fabien Barrero Carsenat, designer et ancien diplomé de l’ESADSE. Ce workshop a permis à 10 étudiants d’art et de design de se familiariser avec les techniques de la fonte et d’appréhender les possibilité plastique de cette pratique.

L’atelier Bijoux pendant la semaine de workshops à l’ESADSE s’est inscrit dans une dynamique de long terme.

Marie Aurore Sticker Metral et Elen Gavillet ont d’abord pu participer à l’atelier Bijoux organisé par Kristýna Španihelová à Bratislava en octobre 2023. Par la suite, elles ont bénéficié d’une Formation aux Meilleurs Ouvriers de France (MOF) avec plusieurs étudiants dans la perspective de transférer ces apprentissages à l’école. Bertrand Mathevet, de l’atelier métal, soutenu par l’école a pu investir dans le matériel nécessaire à la pratique de ce savoir faire dans l’école.

La pratique textile, absente de l’ESADSE il y a quelques années, a été développée progressivement, tout d’abord au gré de workshop et puis avec la volonté de l’inscrire de manière pérenne dans le cursus des étudiants. La semaine Arts and Crafts aujourd’hui à l’ESADSE a été une étape importante de cette pérennisation. L’acquisition d’outils à l’occasion de cette semaine permet la mise en place d’une pratique régulière au sein de l’école. L’enseignante qui a organisé l’atelier, Cécile Van Der Haegen, a été confortée dans son enseignement avec un nombre d’heures adapté et une possibilité d’associer étudiants en art et en design, ce qui diffère de la division habituelle des parcours.

De même la lithographie avait disparu de l’ESADSE, alors qu’elle avait été présente par le passé. Ici aussi, il s’est agi de se doter des outils, notamment en restaurant la presse. Les échanges avec les écoles de Porto et de Bruxelles ont permis à l’enseignante responsable et à un groupe d’étudiants de s’initier aux différentes techniques de la lithographie selon les écoles mais aussi les traditions spécifiques à ces différents lieux. Si la semaine Arts and Crafts aujourd’hui a marqué la réouverture de cette pratique à Saint Étienne, il y a eu un processus pédagogique associant étudiants et encadrants qui a permis de réinscrire cette pratique dans l’école de manière pérenne.