ArBA-EsA

L’Académie royale des Beaux-Arts - École supérieure des Arts, est aujourd’hui à la jonction d’une histoire riche (elle a eu 300 ans en 2011). Elle hérite d’une tradition qui a vu se stratifier des pratiques artistiques très diversifiées, des modes d’enseignements qui se sont inventés et le présent la positionne dans le complexe panorama international des enseignements supérieurs, dans une dimension tout autant pédagogique, artistique que professionnelle.

L’ArBA-EsA assume des missions qui peuvent paraître étendues mais qui en font sa force et son originalité. Elle est un lieu d’enseignement, de recherche et un grand atelier de création et de production où se forgent des générations de créateur·ice·s. Elle entend jeter un pont vers les milieux professionnels de référence et un équipement artistique majeur déployant des activités dans la cité à destination de nombreux publics. Enseignement et recherche de haut niveau, rayonnement local et international, maillages professionnels, ouverture au monde : l’éventail est large et ouvert, et doit en permanence ménager, d’un côté, le temps du travail artistique, lent, fragile, confronté à l’inconnu parce que sans modèle préétabli et, de l’autre, la nécessaire perméabilité au monde contemporain, aux forces culturelles, professionnelles et symboliques qui traversent l’école de part en part. L’école a pour mission d’organiser la formation de futurs artistes, de professionnel·le·s des multiples métiers de l’art et de l’éducation, d’individus autonomes et responsables prêts à s’engager de manière informée et critique dans les mondes de l’art. Elle propose un programme d’enseignement en arts plastiques, visuels et de l’espace au plus haut niveau. La visée principale de ce programme est le développement singulier des pratiques artistiques et professionnelles, et leur positionnement réflexif et critique dans le domaine des arts.

L’étudiant·e, au fur et à mesure de son parcours, de son enseignement, de ses recherches, de ses expériences et expérimentations sera guidé·e en vue de développer un travail artistique, des projets de recherche et une autonomie de position. L’atelier est le point d’ancrage de l’articulation pédagogique. Il est le lieu où se construit la singularité des propositions artistiques, le lieu de stimulation, de tâtonnements et d’élaboration de la dimension collective qui force la réflexivité des pratiques et des positions par un aller et retour permanent entre pratique et théorie. L’atelier est le point structurant du cursus et ne se limite donc pas à un champ technique ou disciplinaire, au contraire, il offre un potentiel d’expérimentations et d’interactions. Chaque cursus est bel et bien ouvert vers d’autres disciplines artistiques permettant d’engager d’autres moyens plastiques, de développer de nouveaux champs de recherche ou de préciser formellement le travail artistique. Le pôle histoire-théorie-critique a une place essentielle dans le curriculum des étudiant·e·s, il apporte le bagage de références théoriques indispensable permettant de préciser et de nourrir un travail artistique ouvert, construit, critique et engagé.

L’événement Arts & Crafts, aujourd’hui, qui s’est déroulé du 18 au 23 mars 2024 à Bruxelles, revêt une dimension bien plus large qu’une simple rencontre académique. Il incarne une démarche holistique et ambitieuse, façonnée par notre engagement envers les questions de transmission au sein des Écoles supérieures des Arts, la collaboration internationale, et l’importance de rencontrer les transformations de notre époque à travers le prisme spécifique des questions des savoir-faire, de l’artisanat et des techniques. Depuis ses prémices, le projet Arts & Crafts, aujourd’hui s’est fixé pour objectif de devenir une plateforme d’échanges et de partage entre différentes écoles d’art.

L’ArBA-EsA a élaboré avec soin un programme à géométrie variable, mettant au cœur du projet la participation étudiante afin d’explorer de nouvelles voies.

Au programme : ateliers, tables de discussion, expositions, projets artistiques collectifs, conférences, animations radio, projections de films et moments conviviaux. Cette semaine s’est adressée à nos hôtes et à l’ensemble de la communauté de l’Académie, offrant ainsi l’occasion d’expérimenter l’école dans un nouveau cadre de transmission, de la décloisonner et de rencontrer la diversité des pratiques et des propositions.

Le programme de la semaine s’est décliné sous quatre volets :

Dans un interview donné en novembre 1976 aux Cahiers du cinéma et repris ensuite dans Pourparlers, Gilles Deleuze est invité à parler de Godard. Deleuze parle alors de la conjonction « ET » :

C’est le travail de cette conjonction ET qui est au centre du séminaire de master, art ET architecture, proposé à l’ArBA – EsA depuis 2021 par Alice Finichiu, architecte et docteure en architecture et philosophie. Plutôt que de proposer une énième fois de réfléchir « sur », « à partir de », l’art ou l’architecture, plutôt que de chercher des « influences », des « croisements », ou des « emprunts » « entre » art et architecture, la proposition pédagogique est d’incarner la conjonction : une pédagogie indisciplinée plus qu’interdisciplinaire. Faire basculer l’être, le verbe, et s’intéresser aux relations.

Nous rendons notre monde habitable à travers la pratique de nos gestes, nos outils, nos images, nos objets et nos récits qui constituent nos espaces. Ceux-ci se définissent ainsi en tant qu’agencements modélisant profondément nos corps, nos paysages, nos comportements, nos relations. En définissant nos espaces en tant qu’écologies de relations, ce séminaire questionne la matérialité des artefacts, des récits et des pratiques qui désignent nos réalités dans le contexte socio-économique post-industriel et la crise environnementale actuelle. Or, concevoir son enseignement comme une formation à un « art de l’enquête » met fortement en question la relation pédagogique classique construite autour de la distinction sachant / non sachant. Il ne s’agit plus d’une transmission au sens d’un transfert de l’information, mais d’un accompagnement dans la découverte. 

Art ET architecture se décline dans une dizaine de séances de 4h se déroulant sur un semestre. Chaque cycle du séminaire propose un sujet précis – un 3e terme à poser en conjonction avec art ET architecture : la ruine en 2020, le béton en 2021, le craft – le savoir-faire – en 2022 et 2023. Le séminaire repose fortement sur la participation active des étudiant·e·s. Il s’articule autour d’une enquête en deux temps : un temps commun et un temps individuel. Les séances de séminaire n’ont pas lieu seulement dans une salle autour d’une table, mais elles sont articulées autour de présentations, lectures, arpentages et fabrications. Une frise chronologique est le prétexte et le support qui permet de faire tenir ensemble cette multiplicité. Cette frise chronologique est aussi le support de collecte et de spatialisation des observations de relations existantes, déduites ou possibles contenues dans la conjonction art ET architecture du sujet proposé.

La frise chronologique est structurée autour de 5 vecteurs, dont 4 sont préétablis :

Dans le domaine du textile, la question de la couleur est centrale et peut difficilement être contournée. Si elle implique méthodes, outils et savoir-faire spécifiques, ceux-ci peuvent également s’articuler et s’adapter à des champs et des processus artistiques différents : il s’agira donc de bifurquer du textile à l’espace par le prisme de la couleur.

Avec l’équipe SITU - Master Design Urbain, il nous a semblé particulièrement pertinent de partager cet ensemble de techniques à des futurs praticien·ne·s de l’espace urbain. Pratiquer l’urbain demande une attention particulière à l’environnement, aux relations qui se tissent entre les corps et les territoires, ainsi qu’aux ambiances. Les outils d’analyse et d’arpentage classiques ne prennent que rarement en compte les couleurs, or nos espaces et les relations qu’on y entretient sont façonnées par leur présence. Passant souvent inaperçues, les couleurs laissent une trace sur la rétine et dans la mémoire qu’on a des lieux, il faut aiguiser son regard pour y prêter une attention plus fine. SITU a invité Cécile Barraud de Lagerie, designer textile et coloriste, à partager aux étudiant·e·s une partie de ses outils et techniques sous le projet « Arpentage et cartographie de la couleur » qui a donné lieu à une bifurcation en deux temps : 

Avec le groupe d’étudiant·e·s de M1 SITU, un travail d’un mois s’est construit autour de ce que peuvent apporter les outils, les méthodes de relevé et d’analyse couleurs au domaine du design urbain et comment se les approprier pour qu’ils participent plus précisément à la compréhension et l’analyse d’un site. Le site choisi a été la place du Jeu de Balle, lieu emblématique de Bruxelles.

Un temps de partage a permis de revenir sur ce qui a été mis en œuvre par Cécile Barraud de Lagerie pendant le workshop et de rendre compte du travail collectif, par Manon Badillo-Collart, étudiante SITU. Ensuite, le groupe formé d’étudiant·e·s et enseignant·e·s est également allé sur la place du Jeu de Balle pour expérimenter le relevé de couleurs in-situ.

Les méthodes développées sont donc principalement issues du domaine du textile et d’une pratique de coloriste industrielle mais elles font également écho aux travaux suivants :

Le cursus Espace Urbain ISAC de l’ArBA-EsA place la question des corps au cœur de son espace. Le corps est à la fois objet et sujet de réflexion. Ainsi, l’approche pédagogique menée en ISAC vise à considérer le terme « chorégraphie » dans un sens multiple et élargi, comme une expérience de mobilisation des sens et de création de visions autres du monde et de leurs compréhensions. Celle-ci amène à considérer les échelles de perception.

Afin de pouvoir articuler collectivement des « retours » - sans faire revenir l’apprenant·e·s sur ces pas - sur des travaux en cours ou des pratiques artistiques en tenant compte à la fois des subjectivités créatives de chacun·e et des modes de transmission singuliers expérimenté, opérer des « bifurcations » permet aux apprenant·e·s de continuer le développement de leur travail à partir de la manière dont celui-ci a été reçu.

En ce sens, ISAC active durant l’année des bifurcations pédagogiques comme autant de formats expérimentaux avec les étudiant·e·s dont une s’appuyant sur la Feedback Session. Ces formats ont tous un dénominateur commun, un fil rouge. Elles s’appuient sur l’idée de la rencontre : celle de l’artiste avec un regard extérieur et celles sans jugement de regards extérieurs avec des objets artistiques en cours de formation. Ces rencontres avec les travaux performatifs sont ainsi à chaque fois renouvelées.

Nous aimons penser ces formats comme des outils à partager entre les étudiant·e·s, plus que des méthodes figées dans le temps. Des formats discursives, ludiques et sérieux à la fois qui permettent aux étudiant·e·s de pratiquer différentes façons de voir un travail et d’articuler leurs pensées en se positionnant à chaque fois dans une perspective différente. Plus ils sont pratiqués, plus les étudiant·e·s ressentent le besoin de les questionner en les affinant et en les adaptant. Il en va de même pour la méthode de la Feedback session emprunté à la DasArts, département de théâtre de l’université d’Amsterdam et que nous concevons et pratiquons en ISAC en tant que Feedforward session, nourrir les travaux pour faire évoluer ou transformer les pratiques artistiques. Il s’agit d’une séance de retour collectif qui propose un protocole spécifique comme exercice à la fois de prise de parole et d’écoute.

Celle-ci a été développée à partir du constat que les configurations de groupe empêchent souvent les échanges critiques d’avoir un effet d’apprentissage stimulant car il s’agit de gérer différents points de vue sur un même travail souvent interdisciplinaire dans le contexte des arts performatifs. Des perceptions qui souhaitent être échangé durant une même session, alors que dans les échanges individuels, les personnes peuvent opter pour des conversations informelles, des interviews ou d’autres stratégies.

Ainsi l’objectif principal de ces sessions – situations est de : donner du pouvoir à l’artiste qui reçoit un retour sur son travail, aller au-delà des formules de jugements (j’aime / je n’aime pas), partager une critique fondamentale, générer un sentiment de responsabilité de la part des participant·e·s dans un souci de précision et de clarté envers l’artiste et, enfin, accroître le plaisir de donner et de recevoir un retour constructif.