Potentialités

L’unité curriculaire « Dans le toucher – Racines et Ontologie dans le Textile » ancrera un Blended Intensive Programme, financé par le programme Erasmus*, et en continuité avec le projet Erasmus+ « Arts & Crafts Aujourd’hui », entre l’Université de Porto (FBAUP), l’Académie Royale des Beaux-Arts – École Supérieure des Arts (Bruxelles, Belgique), l’ESADE – Saint-Étienne, et l’Académie des Arts et du Design de Bratislava (Slovaquie) et avec la collaboration de UQAM, Montreal, Canada. Les notions de racines et d’ontologie se concentrent sur la dimension ancestrale du savoir-faire et la connexion avec la culture familiale et locale. Les matières naturelles et organiques, ainsi que les éléments personnels et familiaux (par exemple : technologies, processus, matériaux, souvenirs), sont essentiels au développement d’un réseau interculturel et interdimensionnel autour du textile et de ses contextes. Cette proposition, coordonnée par Rute Rosas, Domingos Loureiro et Isabel Quaresma, se présente comme un point de départ pour la réalisation d’un projet commun en vue de sa présentation à la Biennale Contextile 2024, qui aura lieu entre septembre et décembre, sous le thème « To TOUCH ». Ainsi, pour le développement de cette initiative, chaque partenaire et participant est invité à collecter des matériaux inutilisés, ainsi que des éléments multisensoriels naturels (plantes, champignons, épices) pour les processus liés à l’univers textile, des recettes ou des idées liées à leur contexte local et familial, qu’ils devront partager lors de la semaine d’activités à Bruxelles. Ces matériaux, processus et souvenirs seront la matière première pour le développement du travail final, dont la concrétisation est prévue lors des semaines à Bruxelles et à Saint-Étienne, puis à Porto et à Guimarães. À chaque activité, des actions de formation et de partage de connaissances techniques en teinturerie, impression, rembourrage, techniques d’aiguille, tapisserie, tissage et autres techniques et procédures en fonction des fibres et des matériaux collectés sont prévues pour une composition artistique de nature collective. L’objectif est également de compiler tous les processus et techniques dans un document unique, à présenter au sein d’Arts & Crafts Aujourd’hui et à Contextile.

Ce programme réunira 20 étudiants de différents pays, comptera 3 ECTS, avec un total de 81 heures de formation et 27 heures de contact em format b-learning.

Programme :

Objectifs de la formation :

Proposition pour un programme de mobilité courte combinant apprentissage hybride et en présentiel. Le Programme Intensif Mixte Erasmus+ (BIP) est un programme de mobilité courte financé par l’Union Européenne, qui, dans ce cas, prendra la structure déjà mise en place dans l’Atelier Nomade. Ainsi, nous avons ATELIER NOMADE : LITHOGRAPHIE IN SITU, avec des partenaires de l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne (France), de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles École Supérieure des Arts (Belgique), de la RWTH Aachen University (Allemagne), et de la Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Ce programme intensif attribuera 3 ECTS.

Le partenaire coordinateur sera la Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, et les prochaines éditions se tiendront en janvier 2025.

Le programme intensif impliquant l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne (France), l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles École Supérieure des Arts (Belgique), la RWTH Aachen University (Allemagne), et la Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (Portugal) est conçu pour offrir aux étudiants une expérience éducative riche et multiculturelle basée sur la lithographie. Le programme attribuera 3 ECTS (Système Européen de Transfert et d’Accumulation de Crédits), reflétant la charge de travail et les résultats d’apprentissage obtenus au cours du programme.

La nouveauté de l’approche de la lithographie in situ réside dans la proposition de revisiter son histoire ancienne, où la condition de globalité était garantie en utilisant des matériaux naturels et des ressources technologiques de base, ce qui se relie au présent en utilisant la ville comme site spécifique pour la réflexion et comme outil/idée pour des revenus futurs en utilisant une technique de reproduction séculaire.

Le programme de cours est orienté vers les pratiques spatiales de la lithographie en tant que stratégie expérimentale de préservation et d’innovation, explorant l’observation des matériaux et leur recréation par une reconstruction en laboratoire, l’identification de ce qui est visible dans l’architecture, les archives, et l’objectif écologique d’un retour aux techniques artisanales dans un contexte urbain.

Cet engagement technologique, artistique et multi-exploratoire repose sur la reconnaissance des outils utilisés en lithographie, l’utilisation de matières premières (supports, pigments et charges) d’origine locale, l’étude de la lithographie et de sa relation avec l’histoire et la transformation de la ville, ainsi qu’un test d’application pratique par des incursions in situ visant à réaliser des lithographies dans divers espaces.

Tout au long du processus d’enseignement-apprentissage, le programme sera couvert en utilisant des pratiques pédagogiques innovantes, alignées sur les objectifs suivants :

Objectifs :

Méthodologie :

Résultats :

Toujours en 2025, une des étudiantes ayant participé aux activités (Catarina Pinto) animera un atelier de pâte de verre en utilisant des éléments organiques tels que des petites branches, des feuilles insérées dans du sable, du kaolin et de la cendre. Ces expériences sont déjà en cours de développement dans le contexte des cours, et Catarina présentera un travail dans l’exposition Encaixe, dont l’inauguration est prévue le 8 juin à Árvore – Cooperativa de Atividades Artísticas, C.R.L.

These initiatives underscore AFAD’s commitment to evolving its teaching methodologies, ensuring that the legacy of the project not only endures but also propels forward the pedagogical evolution in art schools.

The project enrich teaching practices by:

By incorporating these elements into their teaching, educators can create a dynamic and engaging learning environment that prepares students for the evolving demands of the art world. The AFAD workshop’s methodology and outcomes offer a blueprint for how art education can be both rooted in tradition and forward-looking, fostering an educational space where innovation thrives. 

Le projet Erasmus + A&Ca, aujourd’hui réservoir de potentialité créative et espace de résilience, a permis de mettre ensemble 6 écoles d’art, de design et faculté universitaires internationales. Pendant les 3 ans du projet un véritable partenariat s’est établi entre les écoles participantes. Partenariat qui a permis pendant la durée du projet, des échanges pédagogiques, des élaborations et expérimentations artistiques sur les liens entre Design, Art et Artisanat, tenant présentes  les questions très actuelles du digitale, dans le signe de la diversité et hospitalité des écoles partenaires.

Les six écoles ont montré une envie et un engagement réel de collaboration et de continuation sur les thématiques abordées  lors des trois ans du projet. La collaboration a permis de développer des méthodologies de travail et un langage commun, tenant toujours présent la diversité propre à chaque partenaire, dans le but d’aborder le terrain de la recherche-création et reformuler les rapports entre théorie et pratique, artistes et artisan·es,étudiant·es et enseignant·es dans la perspective et contexte environnants et de leurs tissus socio-économiques.
Pendant  les 3 années de travail commun les 6 écoles/facultés  ont toujours envisagé l’histoire du temps présent dans la perspective d’une histoire du temps futur et à ce propos  le projet A&Ca, permettra de créer un réseau européen et non-européen qui touche  aux productions artistiques et artisanales ainsi qu’aux productions industrielles.

Les six écoles ont donné un avis favorable sur une programmation future d’échanges et collaborations basée sur trois points :

L’approche pédagogique dominante en écoles d’art ‒ notamment en France ‒ privilégie encore l’intellect (les thématiques, les intentions, les références, les discours, les programmes, etc.) par rapport à la main (la technique étant considérée, depuis la modernité, comme une habileté simplement acquise par le labeur et dont il conviendrait de se méfier). Les acteurs historiques du mouvement Arts & Crafts ont démontré ‒ théoriquement et pratiquement ‒ qu’il est possible de dépasser cette opposition héritée de la modernité, laquelle s’est largement fondée sur la dichotomie entre art et artisanat. Après l’art conceptuel, Fluxus (« Bien fait, mal fait, pas fait »), l’art relationnel, les images dites virtuelles et les différentes modalités cherchant à rompre avec le matériau, une large part de la création contemporaine témoigne d’un retour au geste, au travail de la main et aux savoir-faire techniques. Parmi la nouvelle génération, beaucoup d’artistes et d’étudiants demandent un apprentissage technique et un travail de la main, perçus par eux comme la réhabilitation des qualités plastiques de l’œuvre. Ce désir semble notamment correspondre à un besoin de retrouver un ancrage dans la matérialité et une prise sur le monde qui, aux yeux de cette génération, paraissent insuffisantes dans les pratiques moins incarnées qui se sont imposées dans la création des années 1980-2000. Pour ne citer que quelques exemples, le renouvellement de la céramique (depuis une vingtaine d’années), la curiosité pour les techniques photographiques analogiques (voire la photographie primitive et la fabrication de sténopés, voir Michel Poivert, Contre-culture dans la photographie contemporaine), le réinvestissement du textile dans une perspective féministe, et plus largement la réhabilitation du « beau » ou du « sensible » témoignent d’une réelle bifurcation dans les taxinomies et les hiérarchies traditionnelles.

 Les workshops ont permis de mettre les participants ‒ aussi bien les étudiants que les enseignants ‒ à l’épreuve des carences des savoirs qu’ils croyaient acquis et des découvertes de compétences dont ils n’avaient pas conscience. Concrètement, les étudiants familiers avec la céramique, par exemple, ont dû revoir leurs habitudes pour apprendre à maîtriser les subtilités des émaux de Longwy; les sculpteurs ont dû totalement repenser leur rapport à la matière et à l’outil pour aborder la conception et la réalisation de bijoux; les pratiquants du textile qui maîtrisent l’utilisation d’un métier à tisser se sont confrontés, avec le tufting à une technique en plein essor qui fait appel à des gestes et des temporalités proches de ceux de la peinture et de la sculpture, etc. Ces situations de remise en question et d’hybridation des savoirs conduisent à la constitution de parcours d’expériences qui dépassent le cadre académique pour former une identité complexe et plurielle, propre à chacun, favorisant la constitution de démarches singulières. Ce sont ces identités et ces démarches qui permettent à chaque étudiant de définir peu à peu son travail en s’émancipant des savoirs constitués pour mêler tous les apports de manière très personnelle. Il ne s’agit donc aucunement de former des techniciens spécialisés mais, au contraire, d’encourager la distance critique, les croisements et l’expérimentation. Cette dynamique d’émancipation a bien entendu une dimension politique, conformément à la pensée de William Morris, la notion même de « discipline » ‒ technique, scolaire ou académique ‒ étant convertie en une recherche de l’in-discipline, sinon de la « révolution permanente » (Fluxus), si essentielle pour l’innovation artistique.

Le point précédent (« b- La technique et la main comme indiscipline et possibilité d’émancipation ») comprend le pouvoir de déplacement des savoirs, mais cette notion renvoie également à des déplacements très concrets : les bifurcations pédagogiques expérimentées lors du programme Arts & Crafts aujourd’hui n’ont pu se faire que par le frottement à des altérités. Que ce soit du point de vue technique, culturel, politique ou historique, l’altérité s’est révélée centrale : que se passe-t-il lorsqu’un photographe travaille sans appareil photo ? lorsqu’un peintre quitte la toile pour travailler sur un élément mobilier, tel qu’un paravent ? lorsqu’un anthropologue comme Tim Ingold articule travail manuel et technologies numériques ? Tous ces déplacements des savoirs ne peuvent exister que par des déplacements physiques : aller à la rencontre de l’autre. La dimension internationale du programme a donc été absolument essentielle puisqu’elle a permis aux participants de rencontrer d’autres contextes nationaux, d’autres traditions culturelles, d’autres équipements techniques (en particulier le verre, la fonte, le textile), d’autres procédures pédagogiques (entre verticalité et horizontalité).

Le rapport à l’histoire élaboré par William Morris articule revisitation du passé (le modèle médiéval, en particulier) et prospective (le programme artistique, économique, social, politique d’Arts & Crafts). Reprendre ce contenu à l’identique, plus d’un siècle plus tard, n’aurait pas grand-sens : toutes les conditions historiques du mouvement anglais ont considérablement évolué (en particulier l’irruption de nouveaux matériaux synthétiques, des technologies informatiques et de l’intelligence artificielle), même si l’analyse globale demeure pertinente (ce n’est pas le lieu, ici de revenir sur les intuitions de Morris concernant l’articulation entre design et art, la préservation de l’environnement, l’émancipation des travailleurs, le rôle central de l’éducation ou encore l’élaboration d’une société plus égalitaire).

Un point s’est néanmoins révélé essentiel et riche de potentialités pour l’enseignement : le rapport au passé et l’anticipation des problématiques à venir ne peuvent plus s’opposer. Dans la semaine de workshops, la conférence de Michael Woolworth a démontré par l’exemple combien une technique ancienne et associée à une époque précédant l’imprimerie, telle que la lithographie, se révèle aujourd’hui prisée par les artistes contemporains pour ce qu’elle permet d’expérimentations et de plasticité. L’atelier de sérigraphie à l’ESADSE a été l’occasion de remettre en état une presse et de sensibiliser les participants à la richesse offerte par cette technique. Il n’y a donc pas d’opposition entre passé, présent et futur, mais là encore une communauté de ressources qui demandent à être mobilisées de façon souple et inventive.

Sur ce point, la bifurcation pédagogique réside donc en ceci : nous sommes historiquement sortis du grand récit du progrès qui a fait que, depuis la Renaissance et les Lumières, le passé est toujours regardé comme dépassé, tandis que le futur est représenté comme une promesse eschatologique. Désormais, passé et futur se réconcilient en un même récit. L’enseignement des techniques, des références et des conceptions issues d’un passé même lointain, non seulement ne s’oppose pas à l’innovation, mais au contraire la féconde et la dynamise. Il n’est pas de création sans mémoire.