Sédimentations

L’ Atelier Nomade¹  : lithographie in situ a eu lieu à Porto du 29 janvier au 2 février 2024, organisé par le groupe d’intérêt PPA (Pure Print Archeology i2ADS), sous la coordination de Graciela Machado. Cette semaine intensive a permis de tracer un itinéraire de recherche basé sur la lithographie in situ, de tester et d’explorer les possibilités matérielles et pratiques de la lithographie comme pratique nomade en milieu urbain. Étudiants, collègues de l’ARBA -ESA, ESAD SE, FBAUP et chercheurs invités ont apporté leurs perspectives uniques.

L’ Atelier Nomade était un projet intégral qui a réuni illustration, architecture, géologie et géographie urbaine à travers la lithographie, offrant aux participants une expérience unique et enrichissante. Pendant cet événement d’une semaine à la FBAUP et à la FIMS, les participants ont exploré la complexité et l’interconnexion de ces disciplines en cartographiant le terrain de Porto et les lithographes qui y ont vécu et travaillé.

Ce projet a favorisé le dialogue en utilisant la lithographie pour rapprocher la pratique lithographique du territoire urbain et des archives visuelles telles que la BMP (Biblioteca Pública Municipal). Le programme, basé sur une approche technologique, était centré sur la connaissance des outils de la lithographie, l’utilisation de matières premières locales, et l’étude de la relation entre la lithographie et l’histoire de la ville. Des excursions in situ ont permis de pratiquer la lithographie sur place.

Le point de départ a eu lieu à la FBAUP, où nous avons discuté de la pertinence artistique de la lithographie et de sa relation avec les pratiques artisanales et la réparation. Des doctorants du PPA ont partagé leurs recherches en démontrant l’utilisation d’équipements commerciaux hérités, de matrices et de protocoles. D’autres sujets tels que la préparation des encres, l’utilisation de pierres locales et la fabrication de papier pierre ont également été abordés.

Le programme a continué avec des discussions sur la relation de la lithographie avec la géologie et sa présence dans certains bâtiments de la ville. Un « laboratoire mobile expérimental » a été installé à la Fondation Marques da Silva (FIMS), un archive dédiée au patrimoine architectural et artistique de la ville, pour tester comment la lithographie peut être réinventée aujourd’hui.

L’atelier d’une semaine a été conçu pour construire les matériaux nécessaires à la méthode in situ, renforcer le processus collaboratif dans la recherche artistique, utiliser une approche interdisciplinaire, déconstruire les idées préconçues liées aux technologies en art, et questionner l’idée d’espace et d’archive. Les activités comprenaient des exercices de mobilité autour de la ville, des discussions dans les archives historiques, des dessins in situ, des impressions, une visite à l’exposition « Voices of Landscape », et une exposition des travaux développés durant la semaine.

L’exposition finale et l’événement de clôture ont été une célébration performative de la lithographie, où des dispositifs portables, du papier pierre et d’autres composants historiques de la lithographie ont été activés pour l’appréciation des participants et du public.

Organization:

Media & Exhibition:

Avec la coordination de Rute Rosas, Domingos Loureiro et Isabel Quaresma, la bifurcation a commencé à Bruxelles le 19 mars 2024 par une présentation. Les activités se dérouleront jusqu’au 30 septembre 2024 (Portugal), avec une exposition à la Biennale Contextile.

La proposition de bifurcation pédagogique intégrée dans le projet Arts and Crafts Aujourd’hui se concentre sur le domaine textile et vise à s’organiser en tant que projet de partage et de production collective entre les différentes institutions et participants (ARBA-ESA, VSVU, UQAM, ESAD-SE, FBAUP).

Les notions de racines et d’ontologie se concentrent sur la dimension ancestrale du savoir-faire et la connexion avec la culture familiale et locale. Les matières naturelles et organiques, ainsi que les éléments personnels et familiaux (par exemple : technologies, processus, matériaux, souvenirs), sont essentiels au développement d’un réseau interculturel et interdimensionnel autour du textile et de ses contextes. Cette proposition, coordonnée par Rute Rosas, Domingos Loureiro et Isabel Quaresma, se présente comme un point de départ pour la réalisation d’un projet commun en vue de sa présentation à la Biennale Contextile 2024, qui aura lieu entre septembre et décembre, sous le thème « To TOUCH ».

Ainsi, pour le développement de cette initiative, chaque partenaire et participant est invité à collecter des matériaux inutilisés, ainsi que des éléments multisensoriels naturels (plantes, champignons, épices) pour les processus liés à l’univers textile, des recettes ou des idées liées à leur contexte local et familial, qu’ils devront partager lors de la semaine d’activités à Bruxelles. Ces matériaux, processus et souvenirs seront la matière première pour le développement du travail final, dont la concrétisation est prévue lors des semaines à Bruxelles et à Saint-Étienne, puis à Porto et à Guimarães.

À chaque activité, des actions de formation et de partage de connaissances techniques en teinturerie, impression, rembourrage, techniques d’aiguille, tapisserie, tissage et autres techniques et procédures en fonction des fibres et des matériaux collectés sont prévues pour une composition artistique de nature collective. L’objectif est également de compiler tous les processus et techniques dans un document unique, à présenter au sein d’Arts & Crafts Aujourd’hui et à Contextile.

Le Projet Solo, coordonné par Teresa Almeida et Cristiana Macedo, s’est concentré sur les domaines techniques du verre et de la céramique. L’équipe de formation comprenait Teresa Almeida, Cristiana Macedo, Daniela Ribeiro et Pedro Aguiar, et a compté avec la participation de 15 étudiants en licence et en master. L’objectif principal était la production et l’exploration de pastels secs à partir de pigments naturels, avec des applications sur papier, verre et céramique, ainsi que la construction d’un four en papier. La méthodologie adoptée consistait en la présentation et la démonstration de matériel préalablement réalisé, la démonstration du processus de fabrication des pastels, la production des matériaux par les participants (au moins 5 exemplaires) et la réalisation d’échantillons des pastels sur des petits morceaux de verre.

Les pigments ont été collectés par la doctorante Cristiana Macedo, chaque étudiant ayant également la possibilité d’apporter son propre pigment. Initialement, les matériaux ont été fabriqués dans le cadre d’un atelier, avec deux workshops de fabrication de pastels organisés le 20 novembre 2023 et le 15 avril 2024. La finalisation de l’activité est prévue lors d’un workshop dans l’atelier de l’artiste Cristina Camargo, les 21 et 26 juin 2024, où un four en papier sera construit avec tous les participants et la cuisson des échantillons sera réalisée, promouvant ainsi la création d’un four plus durable et économique.

Les résultats incluent la prévision de la réalisation d’un manuel. La communication lors des congrès sera effectuée par un résumé étendu par Cristiana Macedo et Teresa Almeida, intitulé « Recreating Materials: an insight into drawing tools with connections of Nature », à l’Art of Research 2023, Université Aalto, Finlande, les 30 novembre et 1er décembre, P 66, 67, ISSN 2984-0716 (imprimé) ISSN 2984-0724 (en ligne).

Objectifs : Utilisation de verre recyclé dans des travaux de fusion et de slumping, et création de plaques de verre coloré avec des bouteilles. Enseigner aux étudiants à créer des plaques de verre colorées à partir de bouteilles.

Méthodologie : Tout d’abord, des échantillons de couleurs ont été développés avec la technique de fusion totale et partielle, servant de référence pour les cours. Les bouteilles ont été coupées et placées dans le four pour les aplatir. L’atelier a été divisé en plusieurs jours : le premier jour, les participants ont réalisé une composition pour la fusion; le deuxième jour, un travail en slumping avec le résultat de la fusion; et le dernier jour, il y a eu la présentation des résultats.

L’atelier a été animé par Cassandra Pereira et Andreia Pereira, avec le soutien technique de Daniela Ribeiro, du 17 au 22 février 2022.

Résultats : La publication d’un manuel en 2024 est prévue, déjà en cours de révision, ainsi que la présentation d’une communication lors du JOCEP.

Les Résidences Artistiques GroundLAB - III Biennale de l'Ardoise de Valongo, à la Casa Museu Dias de Oliveira, au Musée de Valongo et aux ateliers de la FBAUP. Ces activités résultent d’un partenariat avec la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Porto et l’Institut de Recherche en Art, Design et Société.

Les Résidences Artistiques réunissent 5 artistes boursiers qui travailleront sur le territoire de Valongo, principalement à proximité du Parc des Montagnes de Porto, entre Valongo et Campo. Dédiées au thème « Paysage comme Laboratoire » et sous l’influence de mouvements artistiques tels que l’Art de la Terre et l’Art et l’Écologie, elles visent à développer un parcours artistique et culturel qui cartographie la relation entre l’ardoise et la municipalité, ainsi que la relation que chaque auteur a partagée avec ce territoire.

Artistes : Diogo Vieira Saraiva, Rute Pereira, Mariana Maia Rocha, Giulia Yoshimura, Leandro Caram. Participation hors-selection : Cláudia Pinto Campos.

Recherche dans le domaine artisanal de la Céramique Coordination : Professeure Docteure Susana Piteira Collaboration Technique : Pedro Aguiar 2 chercheurs en résidence à la Casa Dias de Oliveira et aux ateliers de la FBAUP - Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Porto. Mairie de Valongo et Musée de l’Ardoise noir. 28 juillet à 30 septembre 2023. L’ardoise est une roche sédimentaire de la famille des argiles, ayant des propriétés pouvant être utilisées dans le domaine de la céramique. Par ailleurs, la municipalité de Valongo a dans son histoire un lien avec la céramique, à travers les usines et les dépôts de pâte existants dans la municipalité. Dans ce sens, les chercheurs vont recueillir des données sur les composés de l’ardoise et d’autres matériaux pouvant être utilisés comme pâtes céramiques, tant dans le domaine artistique que comme ressource technologique à utiliser dans d’autres domaines. Pendant 3 mois, avec une période dédiée à l’exploration du territoire, la recherche prévoit l’analyse des qualités céramiques de l’ardoise, la collecte de matériaux aptes à être utilisés comme pâte céramique, en recherchant surtout l’éco durabilité et la protection des ressources naturelles et environnementales. L’objectif est également d’évaluer les utilisations possibles dans le contexte de la pratique artistique et du produit artisanal.

Objectifs : Enseigner aux étudiants à fabriquer des peintures avec des pigments naturels pour une application sur verre selon la technique de fusion.

Méthodologie : L’atelier s’est déroulé en deux jours. Le premier jour, des échantillons ont été développés et le processus de fabrication de la peinture a été expliqué. Les étudiants ont été invités à apporter des échantillons et des petites pierres déjà broyées. Le deuxième jour, de petits travaux ont été réalisés.
L’atelier a été animé par Ana Sofia Ribeiro, avec le soutien technique de Daniela Ribeiro, les 7 et 15 novembre 2022.

Résultats : Publication d’un manuel en 2023 et présentation d’une communication lors du jOCEP (Journeys on Contemporary European Painting).

Objectifs : Réalisation de moules libres avec de la cire microcristalline.

Méthodologie : L’atelier s’est déroulé pendant une semaine. Tout d’abord, les prototypes en cire ont été développés, puis les moules ont été réalisés, suivis de l’insertion du verre à l’intérieur des moules, de la mise en place des moules dans les fours, du polissage des pièces, ainsi que de concepts théoriques et des courbes de recuisson.

L’atelier a été animé par Catarina Cubelo (qui travaille actuellement chez Urban Glass) du 26 au 29 juin de 2024.

Remplacement de la silice par de la poudre de brique dans la réalisation de moules pour les techniques de kilnforming : slumping et kilncasting, réalisé par Cassandra Pereira. Actuellement, les étudiants réalisent ces moules dans le cadre de leurs cours.

A central tenet of the “Arts and Crafts Today” project was the unique contribution of each participating school, offering specialized technologies and topics that provided a rich tapestry of educational experiences. This diversity was key to the project’s pedagogical enrichment: 

This approach diversified the pedagogical methods but also created a network of shared knowledge and resources that could be tapped into long after the project’s conclusion. It set a precedent for future collaborations, where the unique strengths of each institution could be leveraged to create a more holistic and inclusive arts education landscape. 

The exhibition’s journey did not end there. It found a new home in a Gallery and cultural center in Kokava nad Rimavicou (22. 6. 2024), where it continued to captivate audiences. This reinstallation in a different context allowed for a renewed appreciation of the works, highlighting the versatility and adaptability of craft in various exhibition settings. 
These exhibitions served not only as a celebration of the participants’ work and creativity but also as an extension of the educational experience, allowing the artists to receive feedback and gain exposure in the art world. It was an affirmation of the skills and concepts developed during the workshop and a testament to the importance of sharing art with a wider community.

Le projet A&Ca trouve ses origines dans un projet appelé French Theory, qui a réuni pendant trois années consécutives des membres des équipes pédagogiques de l’UQÀM, de l’ESADE de Saint-Étienne, de l’ArBA-EsA de Bruxelles ainsi que des Beaux-Arts de Sousse. Initié en 2015 à l’ESADSE avec les « French Theories » et suivi en 2016 par une semaine de recherche intitulée « This is not only French Theory, Pensez-vous Français », le programme s’est achevé en 2018 à l’UQÀM avec « L’impensé Radical ». Ces recherches, menées conjointement entre les écoles partenaires, ont permis de partager et d’éprouver des méthodologies de travail et de développer un langage et des attentions communs.

Cette base préhistorique de A&Ca a ensuite été suivie de longs moments de réflexion autour de la mise en place du projet et de la recherche de la reconnaissance européenne. Ces temps de travail, complexes car en pleine crise COVID, ont été rendu possible grâce à la base commune s’appuyant sur des échanges, des rencontres, des partages de pratiques et des temps de recherche préalables.

Le projet Arts & Crafts, aujourd’hui aborde des questions de recherche création nouvelles. Il s’inscrit dans des territoires en mutation voire en redéfinition. À l’ArBA-EsA, les questions liées au faire et aux pratiques techniques n’ont jamais été évincées. Elles sont demeurées intégrées à la pratique artistique et aux pratiques pédagogiques, les points de rencontre entre formes techniques et formes artistiques et la conjonction des gestes ont été conservés au cœur des ateliers, même si les fins recherchées étaient distinctes.

Lors de la mise en place du projet, le parti pris de l’articulation théorie-pratique, A.D.N. de l’école, a été conservé. Notre approche consistait à reprendre les questions par le biais du faire, des objets et des gestes. Il ne s’agissait pas simplement de revaloriser des savoirs perdus, mais plutôt de réinventer et de reconsidérer les rapports de mémoire et de transmission en inversant les hiérarchies établies : porter une attention aux gestes, aux techniques à l’œuvre dans l’école, et ainsi questionner et enrichir les formes artistiques, reconsidérer les rapports hiérarchiques classiques entre artistes et artisan·e·s, entre étudiant·e·s et enseignant·e·s en révélant un tissu d’échanges dense et fertile.
L’objectif était d’ouvrir l’école et de mieux appréhender sa capacité à innover dans les zones créatives tout en continuant de lier les questions critiques et épistémologiques et en investiguant les pratiques artistiques dans un champ élargi.

La mise en place du projet a été accompagnée par trois semaines de partage en 2020, 2021 et 2022, des semaines de recherche activées dans l’école pour les étudiant·e·s de master et le grand public. Ces semaines alliaient des temps réflexifs (conférences, rencontres, échanges) et des temps pratiques (ateliers, plateformes). Petit à petit, il s’agissait de se donner des éléments réflexifs en vue de recevoir et de partager le projet Arts & Crafts, aujourd’hui.

Lors de ces semaines, de nombreux intervenant·e·s issus des mondes de l’art et de la pratique nous ont accompagné·e·s dans notre réflexion et nos échanges. Par exemple, Jean-Christophe Bailly avec la conférence « Réflexions sur l’objet : De la rareté à l’invasion. Résistance de la singularité » en 2021 et Pauline M’Barek avec la conférence « Des choses qui fuient » en 2022.

En parallèle, des réflexions et la transmission sur les spécificités en termes de savoirs techniques ont été mises en œuvre : un atelier nomade de fonderie* mené par Alexis Remacle, un atelier nomade de lithographie mené par Cyril Bihain** et engagé en partenariat avec FBAUP et ESADSE, ainsi qu’une revalorisation et une ouverture des questions liées au design textile, à la tapisserie et aux arts textiles.

Au fur et à mesure des semaines intensives proposées par les écoles partenaires, et au fur et à mesure des rencontres et des partages de contextes et de gestes, l’école a nourri ses pratiques et sa réflexion. FBAUP a articulé la céramique et l’art contemporain, INBA a contribué à l’articulation du territoire et du craft à travers la céramique en mettant en avant les potentialités innovantes de son école, l’UQÀM a questionné les matérialités de l’art, les disciplines et les formes pédagogiques, et VŠVU a permis la jonction avec un cadre industriel dédié à la pratique du verre. ESADSE a souhaité revenir à des crafts très spécifiques en permettant des actualisations singulières. Chaque école/faculté, en formulant sa proposition, a engagé une reconfiguration des questions et des propositions de recherche.

Au cours du projet, nous avons également continué à expérimenter et à faire évoluer des techniques pédagogiques innovantes telles que les sessions de feedback et le Contemporary Salmon. Ensuite, afin de préparer la semaine Arts & Crafts, l’ArBA-EsA a mis en place en 2023 des modules dédiés à la question du faire, des techniques et des gestes, en se concentrant davantage sur le craft mais toujours dans un contexte élargi (expanded field). Ainsi, plusieurs modules ont été proposés et des zones d’expérimentation ont été mises en pratique par les étudiant·e·s, leur permettant d’appréhender différemment les questions du craft et de les sensibiliser davantage à certaines propositions liées au vivre-ensemble et à l’écoresponsabilité.

En conclusion, le projet A&Ca est le fruit d’une collaboration entre différentes écoles d’art et facultés qui ont partagé des méthodologies de travail et développé un langage commun. Il aborde des questions de recherche création nouvelle et cherche à réinventer les rapports entre théorie et pratique, artistes et artisan·ne·s, étudiant·e·s et enseignant·e·s. Le projet a été accompagné par des semaines de partage mêlant réflexion et pratique, ainsi que par des ateliers et des rencontres avec des intervenant·e·s spécialisé·e·s. Le projet a mis en lumière la position nodale de ces institutions en tant que réservoir de pratique et de pensée, en tant que laboratoire d’expérimentation et en tant qu’incubateur permettant d’envisager les défis futurs en termes de création et de résilience. Au fil du temps, les écoles partenaires ont enrichi leurs pratiques et leur réflexion, en explorant les spécificités des différentes techniques et en repensant les approches pédagogiques. Le projet vise à ouvrir de nouvelles perspectives créatives tout en restant ancré dans les enjeux critiques et épistémologiques actuels.